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April 24, 2012

Saga # 1 - Brian K. Vaughan & Fiona Staples

Fiona Staples
The first issue of Y the Last Man was a masterpiece. Brian K. Vaughan proved back then that he was a very talented writer capable of creating an entire narrative universe. Then he captivated us again with the first issue of Runaways. And now, in March 2012, he shares with us Saga, a new creator-owned series; although it may not be as groundbreaking as the beginning of Y the Last Man or Runaways, this is still quite a solid first issue.

The protagonists are Marko and Alana; she comes from a planet named Landfall, and he comes from that planet’s one and only satellite, Wreath. Landfall and Wreath are at war “but because the destruction of one would only send the other spinning out of orbit, both sides began to outsource combat to foreign lands”. Throughout the galaxy, every alien species has to pick a side, planet or moon, but in the end, the horrors of war are the one true constant.

As Doris Sommer explained once, heterosexual romances can be allegories for cultural consolidation. Marko and Alana have a daughter, Hazel, and she’s the bringer of hope in a galaxy overrun with interstellar conflicts. According to Sommer, star-crossed lovers represent particular religions and races: Marko has strong ties with magic, and horns in his head; Alana relies more on technology, and has wings in her back; their daughter is the amalgamation of this two different cultures and physiologies.
Marko & Alana

In a solar system defined by division and dispute, Brian K. Vaughan resolves religious, racial and social differences with this “natural” love. In Sommer’s words: the “passion for conjugal and sexual union spills over to a sentimental readership”, a readership that would ideally demand for such a union to occur. By allegorizing issues of the protagonists’ homeworlds into an erotic romance, the young couple effectively dissolves the boundaries between public and private spheres. “The pitch of sentiment rises along with the cry of commitment”, Sommer ascertains, “so that the din makes it ever more difficult to distinguish between our erotic and political fantasies for an ideal ending”. Furthermore, the obstacles that the lovers encounter reinforce their desire to reproduce and reaffirm their “love for the possible nation in which their relationship could be consummated”. Therefore it is fitting that the obstacles presented by Baron Robot of the Coalition Forces -and other enemies- are of a public nature.

Fiona Staples is Saga’s artist, and her cover for the first issue is delicate and quite exquisite. The anatomy of the characters has been carefully rendered, and their posture conveys a strong personality and a well-defined attitude. A few months ago, when the cover was first announced, I remember some people complained about it because it showed Alana breastfeeding her baby; well, even if I hadn’t known who the author was, I would have probably preordered this issue just because of that. Besides, I really liked what I was seeing. Nevertheless, the interior art is a bit rushed, unpolished even; I’m absolutely convinced that this isn’t an example of artistic negligence but rather an attempt for experimentation that doesn’t quite click for me. 

Here’s hoping that, in future issues, Fiona Staples will pleasantly surprise me as she has done many a time in the past.
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Coitus interruptus

El primer número de "Y the Last Man" fue una obra maestra. Brian K. Vaughan demostró entonces que era un escritor muy talentoso capaz de crear un universo narrativo total. Luego, nos volvió a cautivar con el primer ejemplar de "Runaways". Y ahora, en marzo de 2012, nos entrega Saga, una nueva serie; aunque no sea tan innovadora como el inicio de "Y the Last Man" o "Runaways", se trata de un comienzo bastante sólido.

Los protagonistas son Marko y Alana; ella viene de un planeta llamado Landfall, y él viene de la única luna de ese planeta, Wreath. Landfall y Wreath están en guerra "pero como la destrucción de uno de ellos causaría que el otro se salga de órbita, ambos lados empezaron a exportar el combate hacia tierras extranjeras". A través de la galaxia, cada especie alienígena debe elegir un bando, planeta o luna, pero al final, los horrores de la guerra son la única constante cierta.

Como Doris Sommer explicó alguna vez, los romances heterosexuales pueden ser alegorías de la consolidación cultural. Marko y Alana tienen una hija, Hazel, y ella es la portadora de la esperanza en una galaxia doblegada por los conflictos interestelares. De acuerdo a Sommer, los amantes de diferente origen representan religiones y razas particulares: Marko tiene fuertes lazos con la magia, y cuernos en su cabeza; Alana confía más en la tecnología, y tiene alas en la espalda; estas dos culturas y fisiologías diferentes se amalgaman en su hija.
art by Fiona Staples / arte de Fiona Staples

En un sistema solar definido por la división y la disputa, Brian K. Vaughan resuelve las diferencias religiosas, raciales y sociales con este amor "natural". En las palabras de Sommer: la "pasión por la unión conyugal y sexual se derrama hacia una lectoría sentimental", hacia lectores que idealmente exigirían que semejante unión ocurra. Al alegorizar problemas de los mundos de los protagonistas en un romance erótico, la joven pareja efectivamente disuelve los límites entre las esferas privadas y públicas. "El terreno del sentimiento se alza junto con el grito del compromiso", señala Sommer, "para que el clamor dificulte la distinción entre nuestras fantasías eróticas y políticas por un final ideal". Más aún, los obstáculos que los amantes encuentran refuerzan su deseo por reproducirse y reafirman su "amor por la nación posible en la que su relación pueda se consumada". Tiene sentido, por lo tanto, que los obstáculos presentados por el Barón Robot de la Coalición de Fuerzas -y otros enemigos- sean de naturaleza pública.

La artista de Saga es Fiona Staples, y su portada para el primer número es delicada y bastante exquisita. La anatomía de los personajes ha sido cuidadosamente representada, y sus posturas transmiten una fuerte personalidad y una actitud bien definida. Hace un par de meses, cuando la portada fue anunciada, algunas personas se quejaron porque mostraba a Alana dándole de lactar a su bebé; bueno, incluso aunque no hubiese conocido a la autora, hubiera comprado “Saga” justamente por eso. Me gustó lo que veía. No obstante, las páginas del cómic en sí son un tanto apresuradas, incluso desprolijas; estoy absolutamente convencido de que esto no es un ejemplo de negligencia artística sino un intento de experimentación que no termina de convencerme. 
my sketch / mi boceto

Espero que en futuras entregas, Fiona Staples me sorprenda gratamente, como ha hecho más de una vez en el pasado.

November 9, 2011

Michele Del Campo - Viaje de no retorno (Galería Enlace)

I admire the work ok Michele Del Campo: he’s a very talented artist and his paintings are extraordinary and beautiful. I could say many things about his depictions of young people, his chromatic juxtapositions, his luminescent settings, his subtle –almost subliminal- message / meaning... But I think it would be better if this time I simply quote the artist. After all, how could we not pay attention to the words of a true creator like Michele Del Campo?

Al otro lado


…But what does “Viaje de no retorno” (Journey of no Return) mean?


Until now I have been referring to the title of my upcoming solo exhibition without lingering on its meaning in the context of my exhibition. Now that I have already created most of the pieces for the show and I have been analyzing the ideas behind most of them, I should explain what is the general concept behind the whole exhibition. I avoided revealing it before because that would have constrained and limited my process of investigation from the beginning. Instead, in a project of long duration (one year or one year and a half) the ideas and concepts can change slightly along with the artist as a person, with his experience, knowledge and inspiration, and that is positive for creativity. In fact this exhibition represents a big change of line into my work, which also reflects some changes that I have gone through as a person.


In “Journey of no Return” my intention is to show an existentialist, melancholic and gloomy view of certain youth that see no bright future in front of them.
 

I am trying to depict the abandonment, the emptiness, the feeling of deception and loss and, in some cases the degeneration in behavior produced by their loss of values and perspectives. An image that is antithetical to the bright and happy picture that the capitalist world sells to them to direct their aspirations. They have realized that they will never reach the idyllic future – ideas of justice, comfort, welfare, beauty and happiness- that is advertised all around them in our consumerist society and, therefore, have allowed themselves to fall down, to go astray and aimless through a journey that will not admit a return, a “Journey of no Return”.

The exhibition will open on November 4th at the Galería Enlace Arte Contemporáneo (Lima, Peru) and will be available to view until December 2nd.


Michele Del Campo
Cementerio de coches

By the way, I’m including my recently inked page. You can find the penciled version on my previous post. And soon I’ll have the final version ready. Drawing these two pages for Chris Lewis, an American writer, has been quite difficult compared to other scripts. Although the final result is not bad, especially taking into account time constraints. What do you think about the paintings? What about my page?

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Camino a la oscuridad

La Galería Enlace tuvo el acierto de invitar a Perú al artista italiano, radicado en Inglaterra, Michele Del Campo. Ya antes había visto algunos trabajos de este gran artista y siempre me fascinó la naturaleza ambigua de sus hombres y mujeres, siempre en el límite entre lo aceptado y lo rechazado, y es que Michele se esfuerza por compartir con nosotros la mirada que tiene sobre la juventud de hoy. No la juventud exitosa que come en restaurantes de moda, viaja a menudo y compra carros del año; sino esa otra juventud, la inmensa mayoría, la que está resbalando en los límites entre la legalidad y la clandestinidad, entre la marginalidad y la pobreza.

Es especialmente revelador que un artista italiano nos confronte tan brutalmente con una realidad que no resulta ajena a los latinoamericanos (y tampoco a los europeos). La muestra titulada “Viaje de no retorno”, está actualmente en exhibición en la Galería Enlace y abierta al público hasta el 2 de diciembre; se compone de diez cuadros de gran formato, todos con una energía única, con un tratamiento de la luminosidad y, en general, con una pasión que sorprenderá a cualquier espectador.
catalogue / catálogo

“Al otro lado” es un cuadro de casi dos metros por tres metros, en el que se admira el dominio absoluto de la técnica de este talentosísimo italiano. Con pinceladas seguras, precisas, y con yuxtaposiciones cromáticas realmente soberbias, Michele nos permite entrar en su mundo, pero sólo hasta donde ese mayestático muro nos permite. Allende la barrera divisoria se encuentra la promesa que todos deben anhelar: el nuevo iPod, la ropa de marca, en una palabra, el paraíso desde la sociedad del consumo. No obstante, y como resulta evidente, el grupo de jóvenes que están en este cuadro se encuentran al margen de dicha sociedad. Con una actitud matonesca y casi de pandilleros, no hacen sino demostrar su verdadero yo: el despojo, el resentimiento, la exclusión social. Hoy, más que nunca, los problemas económicos a gran escala se hacen sentir en el primer mundo y ya no son más realidad exclusiva de nuestros países. No deja de ser anecdótico, por no decir sintomático, que uno de los cuadros de esta muestra “Una de ellos” que presenta a un grupo de adolescentes tirando piedras a una fábrica fue realizado el mismo día en que sucedieron los disturbios generados por los ciudadanos relegados de las afueras de Londres, que atacaron diversos comercios y locales de la gran ciudad.

“Cementerio de coches” mide aproximadamente dos metros por dos metros, y es un ejemplo del poder del erotismo en manos de un maestro de la pintura. El hiperrealismo, corriente de la que Michele es deudor, tiene aquí su exponente máximo. En un cementerio de automóviles, viejos y oxidados, en el que podemos identificar cada modelo de carro, cada avería, cada destrozo y hasta cada brizna de hierba, una destartalada furgoneta nos permite atestiguar el coito apresurado, nervioso, casi desconcertado de una pareja, suponemos, de jóvenes que deben realizar el acto allí mismo en vez de ir a un hotelillo, seguro por falta de dinero. Al no develar los cuerpos por completo, Michele pone nuestra imaginación a trabajar. Este es un cuadro sumamente sugestivo, realmente único.
my inks / mis tintas

El tríptico “Camino a la oscuridad” tiene 1.70m de alto por 4m de ancho. El túnel es colosal, gigantesco, y de pie frente al cuadro podemos sentirnos caminando en esa oscuridad, siguiendo a esa mujer por las vías del tren, buscando quizá ser arrollada. La presencia del suicidio es clara en algunos de los cuadros de Michele, y es que la adolescencia y la juventud sueles ser catalizadores de los deseos autodestructivos que nos llevan a actos desesperados. El juego de luces y sombras, la armonía entre los colores, el movimiento y dinamismo de la figura de la mujer, todo se conjuga armónicamente en esta gran obra de arte.

Ver los cuadros de Hugo Salazar y Michele Del Campo la noche misma de la inauguración fue un verdadero privilegio; y ahora, en la medida de lo posible, trataré de comentar más cuadros de estos artistas. Michele Del Campo, además de hablar italiano e inglés, también maneja el español, y gracias a eso pudo entender mi nombre y firmarme el catálogo. Si bien se queda 20 días en Perú, al día siguiente de la muestra partía para Arequipa y Cusco. Me contó que era su primera visita al Perú y, obviamente, tenía pensado aprovechar su viaje para hacer un poco de turismo. Me hubiese gustado hacerle una entrevista, pero ya será para su próxima visita. Al fin y al cabo, ha vendido suficientes cuadros aquí en Lima como para garantizar una segunda muestra.

Finalmente, incluyo mi página ya entintada. La versión a lápiz está en el post anterior. Y pronto tendré la lista la versión final. Dibujar estas dos páginas para el guionista norteamericano Chris Lewis ha sido lo más difícil que me han mandado hasta ahora, pero creo que no ha quedado mal, sobre todo teniendo en cuenta las limitaciones de tiempo. ¿Qué opinan de los cuadros? ¿Y de mi página?